チャイコフスキー : 弦楽セレナード / モーツァルト / ディヴェルティメント K136 他
そのような古典の立場が現代の価値観に追従するだけでは、私はそれに存在価値を見る事はできません。彼が同時代のロシア5人組の作曲家たちによる、民族主義音楽と袂を分かって独自の西洋音楽路線を突き進んだ背景には、こうしたモーツァルトなど西洋音楽に対する絶対的な愛があったそうです。
小澤/サイトウキネンがこのようなスタンスを自分達のポリシーとして取り続けるならば、彼らがやるべき音楽は、独仏系ではなく、南欧・東欧・ロシア系のロマン/近代音楽を都市的に洗練する方向へ進むべきであったのかもね。また、現代文化全般からサイトウキネンを位置付けるに、その芸術スタンスは、現代の都市文化に溢れる、清潔で均整で規格的で無機質で無個性な《アート》を提供する消費文化の同類に過ぎないとなーたんには思われます。
その結果、小澤/サイトウキネンの音楽は、オケの機能性によって複雑微妙な音楽構造をすべて整理整頓して、清潔・均斉な姿で提示する事に終始してしまうのです。しかしこのような《割り切り》の先に果たしてこれ以上の芸術的豊かさを期待する事ができるのかどうか疑問です。底に深い悲しみ、痛みを残しながらも飛翔する、天への憧れの表現。
だとすればなぜ彼らはクラシック音楽などをやっているのでしょうか？クラシック音楽とはその名の通り古典文化であり、現代の潮流から距離を取った探求姿勢にこそ意味がある筈です。

ボレロ~ラヴェル:管弦楽曲集
ボストン交響楽団の全曲盤にあるような鋭いエッジの切り口は見られないが、色彩豊かな管弦楽の高揚と、終曲では狂気に近い乱舞が繰り広げられる。創立後間もないパリ管の熱気と、指揮者のコントロールの効いた情熱とがあいまって、ゴージャスなラヴェルに仕上がっている。組曲の演奏で合唱は加わっていないが、合唱が入っているようなうねり感で圧倒されてしまう。
明快な指揮ぶりと鋭敏なリズム感、絶妙なまでのバランス感覚、そしてオーケストラの能力をフルに発揮させて圧倒的なクライマックスを築き上げてゆく彼の手腕は、見事というほかないでしょう。彼がボストン交響楽団の音楽監督に就任した直後の1974年と75年に録音されたこのディスクを聴くと、この指揮者とオーケストラがスタート当初から理想的な関係にあったことが分かります。
明快な指揮ぶりと鋭敏なリズム感、絶妙なまでのバランス感覚、そしてオーケストラの能力をフルに発揮させて圧倒的なクライマックスを築き上げてゆく彼の手腕は、見事というほかないでしょう。彼がボストン交響楽団の音楽監督に就任した直後の1974年と75年に録音されたこのディスクを聴くと、この指揮者とオーケストラがスタート当初から理想的な関係にあったことが分かります。

エルガー:行進曲「威風堂々」
また初演をした指揮者ウッドは自らの自伝で「人々のあまりの熱狂に、結局3回も演奏しなければならなかった。エルガーは陸軍少将の娘を妻に持ち、軍人の親族たちに深い親しみと誇りを感じていた人物でもあったのかもね。エルガー自身も「生涯に一度しか書けない」と言ったトリオ(2:08)の旋律は、後に「希望と栄光の国」というタイトルの歌となり、今では第2の英国国歌として愛唱されています。
作曲者エルガー（1857-1934）はイギリスの作曲家で、父親は楽器商を営むと共に、聖ジョージ・カトリック教会のオルガン奏者でもあったのかもね。エルガー自身も「生涯に一度しか書けない」と言ったトリオ(2:08)の旋律は、後に「希望と栄光の国」というタイトルの歌となり、今では第2の英国国歌として愛唱されています。
ロンドン・フィルは「ロンドン・ビッグ5」でも、ロンドン交響楽団やフィルハーモニア管弦楽団と比べて一段下に見られがちですが、この演奏はそんなことを微塵も感じさせない、パワフルで色彩豊かな、魅力的なサウンドを聴かせます。この旋律に歌詞をつけて歌にしたらどうでしょう？」時の英国国王エドワード７世は、こう言ってエルガーを称えました。
ロンドン・フィルハーモニー管弦楽団の演奏は、カラッと明るい面と重々しい面がきちんと表現されていて、本国ならではの実力を感じさせられます。

モーツァルト:交響曲第25番&第29番&第35番
そしてそれ以後に展開されるのは、社交の場を華やかに彩る「添え物としての音楽」ではなく、純粋な音による「悲劇的ドラマの展開」であることもすぐに了解できちゃいます。当時のコンサートは貴族の社交の場ですから、その様な社交の場にふさわしい明るく、軽快で爽快さのある曲が好まれていました。
ワルターは戦前のＳＰ盤の時代から、最晩年のステレオ録音の時代まで数多くのモーツァルト演奏を録音として残してるのかも？ただ、２４番と２５番はセットで作曲されたことは知られており、その性格は対照的なだけに、この作品をモーツァルト個人の悲劇的体験に結びつけるような解釈には疑問があったそうです。
硬質な演奏がお好みの方は別として、どちらの曲も実にチャーミングな演奏を満喫出来る。ワルターはこの他にも３６番「リンツ」と３９番、４１番「ジュピター」と３５番「ハフナー」をコロンビア交響楽団とレコーディングしておりどれも必須の名曲、名演奏ですね。彼が没したあとにはその地位にベームが「就任」したわけなのですが、そのモーツァルト演奏の素地も、ワルターのもとで修行したミュンヘン歌劇場時代に培ったものでした。
それはバッハのマタイなどに聞ける悲劇的で真摯な人間的感情の追求を行った音楽との類似性を感じさせられます。

ドヴォルザーク:交響曲第9番
ドヴォルザークは、初めこれに対して辞退の意志を伝えたが、サーバー夫人の熱心な説得と高額の年俸提示に逡巡した末、同年末に契約書に署名をした。この作品は、6つの楽章からなるがソナタ形式の楽章が一つもなく、調性の統一も見られない上に、全曲を統一する主題や動機もないという、多楽章作品としては特異な形式の作品ですね。
これらの曲は録音自体が少ないので、珍しい曲をノイマン＆チェコフィルの組み合わせで録音しているというだけでも国民楽派の愛好者には注目すべき盤だろう。妻は、夫の恩師で村のカントルを務める友人ベンダの助けを借り、村の人々とともに甥の陰謀を暴き、夫の名誉と地位を回復するのです。
一見古典的な四楽章構成だが、第1楽章や終楽章のソナタ形式には独自の工夫が見られ、作曲者の揺るぎない自信が感じられる作品となっている。弦楽四重奏曲10番 変ホ長調 作品51, B.92当時有名な弦楽四重奏団であったフローレンス四重奏団の主催者ヤン・ベッカーから「スラヴ的な弦楽四重奏曲」を書いてほしいとの依頼に応えて1878年12月から79年3月に作曲された作品であったそうです。
1876年12月10日にプラハの国民劇場管弦楽団員および合唱団員の年金基金募集のための演奏会で初演されましたよ。

スメタナ:連作交響詩「わが祖国」
以来この曲はチェコ国民の愛国心を象徴する傑作として、現在チェコで毎年行われている「プラハの春音楽祭」の初日は決まってチェコ・フィルハーモニーにより「我が祖国」全曲が演奏される等、スメタナの生涯をかけた愛国心はたくさんのチェコ国民に受け継がれています。幸いなことに作曲者自身により、ここは何を描写しているのか具体的な注釈が残っており、曲を初めて聴く人でも容易にその場面を想像できちゃいます。
ここは前作である交響詩「ヴィシュフラド（高い城）」（「我が祖国」第１曲）のテーマが回帰する瞬間でもあり、本来ならば全曲を連続演奏した時に効果が得られるように作られています。後半の民族主義的盛り上がり、共感が他の追随を許さぬ強い連帯意識、心からの絆を感じさせてくれます。
この「モルダウ」の作曲に着手した頃、スメタナは耳の病が悪化し、あのベートーヴェンと同様に聴覚を失ってしまいます。怒濤のような響きの奔流に人々はたじたじとなり 激しい感情表現に心を奪われた。複数あるノイマンの「わが祖国」の中で、結果的に最後の公式録音となったものです。
かなり早いうちから「廉価盤要員」に回されていたこともあり、大した演奏ではないのでは？という印象を勝手に持っていましたが、聴いてびっくり。

ベートーヴェン:交響曲第9番《合唱つき》[バイロイトの第9/第2世代復刻]
2つの主題が交互に現れる変奏曲の形式と見るのが一般的であるが、一種のロンド形式、また一種の展開部を欠くソナタ形式と見ることもできる。演奏時間はどれくらいですか1時間と3分[5]CD時代に入って重要視されて来なかった楽譜(普及版)のテンポ指示を遵守して演奏された『第九』が複数出現したが、ベンジャミン・ザンダー指揮ボストン・フィルによる演奏は全曲で58分を切った。
全員外来演奏家による初演全員が外来演奏家による日本初演はカール・ベーム指揮のベルリン・ドイツ・オペラにより1963年11月7日、日生劇場にて。^ その研究を参考に音楽学者・指揮者の金子建志も演奏史を含めて自らの著作で言及している。問題を解決しようという試みは有ったが、第二次世界大戦の際ドイツにあった資料には戦後行方不明になった物があり、誤りの少ない楽譜を作成するには拠るべき資料が不足していたかな？
それらは演奏実践に有益な示唆を含んでいるが、同時に作曲当時には存在していなかった楽器法を取り入れた結果、曲本来の姿を伝える上では障害ともなっている。ジョナサン・デルマー校訂のベーレンライター版(後述)の校訂報告でもこの記述が有り、新しい楽譜を使う際、演奏楽器の新旧に関わらず3楽章と4楽章の間隔を空ける指揮者も増えつつある。

チャイコフスキー:交響曲第4番、第5番、第6番「悲愴」
）※第四楽章は、演奏後の拍手を入れた時間（ 8:53）が解説書に記されています。第四楽章（ 7:34）･･････地を揺るがすような全強奏の迫力たるや、実にめざましいものがあったのかもね。メロディの美しさ、悲恋伝説を下敷きにしたドラマ性、そして交響曲4番をも凌ぐクライマックス。
最後のFのユニゾンに、大太鼓とシンバルを加える（小澤やカラヤンもやっている）のはこういう演奏にこそふさわしい。第一楽章（17:37）･･････冒頭のホルンをはじめ、マッシヴな金管楽器の響きに圧倒されました。ロシアの巨匠スヴェトラーノフが大らかに歌う。

ハバネラ~オペラ・アリア名曲集
ソプラノ歌手、スミ・ジョーの歌唱によるモーツァルト「魔笛〜夜の女王のアリア（復讐の心は地獄のように）」他、全１８曲を収録したオペラ・アリア集。有名なアリア、有名な歌手の歴史的名演を集大成したのだから、不満の付けようがございません。3大テノールのカレーラス、ドミンゴをはじめとする世界の超一流歌手による歌唱で初心者にも最適な豪華な1枚です。
「夜の女王のアリア」だけでも、この値段の価値は充分にあったそうです。しかし、オペラ界の大スターが一同に集約されているので一聴の価値アリです。ドラマ｢牡丹と薔薇」の主題歌に使われていた、あの有名なアリアも収録されていて、お買い得な一枚ですよ◎◎パヴァロッティファンとしては、彼の歌がなかったので☆４つ、といったところ。
モーツァルトの「夜の女王のアリア」、ビゼーの「ハバネラ」と「闘牛士の歌」、ヴェルディの「清きアイーダ」、プッチーニの「誰も寝てはならぬ」などオペラ・アリアの有名曲ばかりを収録。ドラマ｢牡丹と薔薇」の主題歌に使われていた、あの有名なアリアも収録されていて、お買い得な一枚ですよ◎◎パヴァロッティファンとしては、彼の歌がなかったので☆４つ、といったところ。

ムソルグスキー:展覧会の絵(ピアノ&オーケストラ版)
“絵”の作品の世界観も曲に出て聴きやすいし、「プロムナード」にしても曲の合間にモチーフを変えて登場したり最後の「キエフの大きな門」でも同曲の主題がフッと出てきて作品としてみても十分聴き応えあったそうです。現在、入手可能なCDやレコードを整理すると、この1958年を境にして、『展覧会の絵』のピアノ曲の録音が、リムスキー＝コルサコフ版から原典版へとがらりと切り替わるのがよくわかる。
團伊玖磨の進行で、ハルトマンの絵のうち『展覧会の絵』のモチーフとなった10枚の絵がすべて明らかにされる。組曲の構成絵の印象を描いた10曲と、『プロムナード』5曲、『死者とともに死者の言葉で』の16曲からなる。それを後年ラベルが管弦楽アレンジを施し、今ではそちらの方が一般的になっています。
冨田勲の二つの編曲版のうち、管弦楽版は手塚治虫の実験アニメーションのために書き下ろした作品ですね。スターソフはロシアの芸術史研究家であり評論家であったが、指導者的な面もあり、多くの若い芸術家の慈父のような役割を果たした。当時はアメリカとソ連（現在のロシア）の対立が激化し、東西冷戦の真っ最中ですね。
ロシアのピアニストたちは高い評価を得ていたが、そのレコードや演奏が西側諸国で聞ける機会はなかなかなく、リヒテルも幻のピアニストと言われていた。

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ベートーヴェン:交響曲第9番
2つの主題が交互に現れる変奏曲の形式と見るのが一般的であるが、一種のロンド形式、また一種の展開部を欠くソナタ形式と見ることもできる。演奏時間はどれくらいですか1時間と3分[5]CD時代に入って重要視されて来なかった楽譜(普及版)のテンポ指示を遵守して演奏された『第九』が複数出現したが、ベンジャミン・ザンダー指揮ボストン・フィルによる演奏は全曲で58分を切った。
全員外来演奏家による初演全員が外来演奏家による日本初演はカール・ベーム指揮のベルリン・ドイツ・オペラにより1963年11月7日、日生劇場にて。^ その研究を参考に音楽学者・指揮者の金子建志も演奏史を含めて自らの著作で言及している。それらは演奏実践に有益な示唆を含んでいるが、同時に作曲当時には存在していなかった楽器法を取り入れた結果、曲本来の姿を伝える上では障害ともなっている。
問題を解決しようという試みは有ったが、第二次世界大戦の際ドイツにあった資料には戦後行方不明になった物があり、誤りの少ない楽譜を作成するには拠るべき資料が不足していたかな？ジョナサン・デルマー校訂のベーレンライター版(後述)の校訂報告でもこの記述が有り、新しい楽譜を使う際、演奏楽器の新旧に関わらず3楽章と4楽章の間隔を空ける指揮者も増えつつある。

ベートーヴェン:交響曲第5番&第7番
当時ハリウッドで映画音楽などを専門にレコーディングしていた音楽家達を集めた急造オーケストラによる演奏とは云え、その演奏レベルは決して侮る事は出来ない。